UTOPIA NEGATIVAhttp://utopia-negativa.blogspot.com/

karya Edwin Dolly Rooseno

langgeng gallery, 5 juli 2008, 10 wib, magelang
menampilkan:
AGUS YULIANTO, ARIE DYANTO, ARYA PANJALU, BAMBANG TOKO, HENDRA PRIYADANI,
DOLLY ROOSENO, EKO DIDIK SUKOWATI, FARID STEVY ASTA, DECKY FIRMANSYAH,
IGN. ADE, FATHURROHMAN ALWATHONI I.H., PRAYOGO SATRIO UTOMO, KOKOK SURATMOKO,
KRISNA WIDIATHAMA, LOVE HATE LOVE, NANO WARSONO, PRIHATMOKO, RUDI ATJEH,
SULUNG WIDIASWARA, TATANG, TERRA BAJRAGOSA, UJI HANDOKO, WEDHAR RIYADI, WOK THE ROCK
kurator: RAIN ROSIDI

UTOPIA NEGATIVA

1

The initial idea for this exhibition came after reading a thesis by Spencer Holleman titled “A Popular Critique of Pop Culture: A Close Listening to the Music of Radiohead.” This thesis cast the spotlight on how a popular rock band encountered frictions with contemporary issues and became compared with thinkers such as Albert Camus, Theodore Adorno, etcetera, the explorers of such literary ideas as exile, ‘last man on earth’ and anxiety. This thesis gave the impetus to read other visual artworks of current artistic tendencies within the framework of social relevance and contemporary issues. Developing these ideas further, the curatorial framework for Utopia Negativa was assembled.

This exhibition is unique, firstly due to its selection of participants. The artists invited to this exhibition have the following similarities. They produce works that belong to a different lineage in the development of visual arts today. Their works are a common ground between the development of contemporary arts with lifestyle, music and sub-culture idioms. Their artistic vision’s relevance and territory appear in enigmatic themes that are often not fully understood. Despite the bizarre visual expressions of these youngsters engaged with popular culture, they still say something that reflects contemporary life and social relevance. Their different platform of working then comes to the fore with a visual language that is fresh and close to the popular reality.

Several large arts events in Indonesia are increasingly displaying what Robert Williams postulated succinctly: “there is no more outlaw art.” Works of art previously hard to categorize as important or not considered fine art (read: high art) have begun to make their appearances in great arts events. In the seventh Jogja Biennale, for instance. This exhibition heralded the arrival of works by Eko Nugroho (Daging Tumbuh or Meat Growth), Nano Warsono, Bambang Toko and RM Sonny Irawan who had adopted comics, mural, graffiti, clothing and posters as art.

Earlier, Apotik Komik (Comic Apothecary) baptised Jogja as a city of murals with its golden project, Mural Kota Sama-Sama (Mural the Town Together – read the research outcome of Bambang Toko, an academic and one of the initiators of the late Apotik Komik). Eko Nugroho’s Daging Tumbuh had phenomenal success in getting this multi-talented and creative artist invited to various international exhibitions. In the opening throes of this millennium, a large-scale event for comic artists from various communities appeared under the banner Kabinet Komik Indie (Indie Comics Cabinet) at Gelaran Budaya Yogyakarta, becoming a celebration for groups of alternative comics creators such as Daging Tumbuh, Tehjahe Komik (Comic Ginger Tea), Taring Padi (Rice Incisors), etcetera. Small graffiti groups appeared, including the Love Hate Love phenomenon decorating the town of Jogja. The presence of this enigmatic figure was then set in more concrete terms in Indonesian arts when his works were smuggled in among the Shout Out! FKY 2007 Exhibition (curated by Arie Dyanto, among others) in Yogyakarta, which then continued with antics in a number of art spaces. In Jakarta, Tembok Bomber (Wall Bomber) dedicated his/her site to document the various phenomenon of street art. In Yogyakarta, Nano Warsono initiated a site on “lowbrow” Jogja artists in www.yk300cc.com.

Younger ‘boy scouts’ interrupted the arts with project after project, such as “Sneakerssneakers”, “New Cock on the Block”, “T-Shirt from March”, “Ride the Lighting”, “Agrarian Cowboy”, “Youth Gone Wild”, and various creative antics. These youngsters are so creative they need several pages to recount all their arts activities, from music, MC-ing, DJ-ing, making toys, etcetera.

In truth, the main issue is not about whether these works are beginning to be accommodated by the social scene of contemporary arts. In the international arts stage, artists in the category of lowbrow art have developed special gallery spaces more in line with the tendencies of their works, as well as building their own audiences. Starting from America, which then had an international influence over artists attached to a mutual foundation of genres such as psychedelic art, animation, anime, commercial art, comic books, graffiti and street art, Japanese art and Chinese art, kitsch, kustom kulture, manga, pop culture, propaganda art, punk rock culture, retro, illustration, pulp magazine art, science fiction, surf culture, tattoo art, tiki culture, toys for adults, and notably vinyl figurines. The established arts world is accommodating them, such as Mark Ryden’s “Wondertoonel” in Pasadena Museum of Califronia and the works of Robert Williams (the initiator of Juxtapoz and lowbrow artists) in the Museum of Contemporary Art in Los Angeles in 1992. There we have seen how art critics and the arts social scene in general are taking lowbrow art into account.

In Yogyakarta, this unique development cannot be separated from the involvement of trained young artists, be they established academics or still students. Those with a strong arts education background spearheaded Apotik Komik, which “broke ground for the movement of artists seriously bringing visual considerations down to the streets.” Established artists in the Yogyakarta arts world also dominated among producers of photocopied comics Daging Tumbuh. This also goes for those who are active bringing their art to the popular pockets of culture such as distro apparel, product design, clothing, etcetera. It is true that outsider artists continued along this path more boldly, but the entry of these ‘schooled’ artists into these forms of art created a more serious arena of creativity in developing visual elements.

These developments in street art are now being broadened in the arts world with public arts projects initiated by institutions such as the Cemeti Arts Foundation, also known as the Indonesian Visual Arts Archive (IVAA) and Kedai Kebun Forum. What is more impressive is that those mentioned artists have now received many invitations to various events, whether open events or from private galleries. They are even dominating large events such as the Yogyakarta Arts Festival, Yogyakarta Biennale, etcetera.

2

The second is the theme or title of this exhibition, which is Utopia Negativa. This theme is adopted from the terminology ‘negative utopia’ which is the perception of anti-utopia or dystopia. Dystopian products are far removed from optimistic attitudes and moral developments. These pessimistic books voice anxiety towards the direction of human development that is perceived as going increasingly astray.

This theme is considered appropriate to frame how these artists are producing their work. This is due not only because the Utopia Negativa theme is reflected in their works, but also on how they produce those works. The themes that are present in their work, similar to their contemporaries in other arts fields, give commentary on the social situation. However, there is some difference in how they approach the issues in their work. Environmental issues, social change, humanity, lifestyle and even issues surrounding art itself manifest in their work in a way that is closely relevant to their daily lifestyles and creative vision.

3

This Utopia Negativa project wishes to acknowledge the presence of their unique works in a more concrete fashion in the development of Indonesian regional art. In this phase, while all kinds of works are being accommodated well in the regional Asian market, their works offer a different discourse in their familiarity to the lifestyles they live in. Their artwork is born of a situation in which they are engaging with the popular creative field.

On the other hand, this exhibition also looks into how these works then correlate with the social contemporary universe. This exhibition analyses how these artists participate in the growth of cultural commoditisation and economic culturalisation. Their ambivalence in this participation can be found in their choice of media and styles, such as what they choose to do in their arts practice, such as their affinity to ‘non-mainstream art’ (although the majority of them come from an academic arts background) such as toys, mural, graffiti, comics, posters, etcetera. These artists are also familiar with the use of ‘non-art’ media, such as neon box, photocopy, digital print, etcetera. The mediums they have chosen highlight their involvement in alternative media and their entanglement with contemporary social issues.

In painting and sculpture, which are present as the central media in the development of modern arts, they continue to leave traces from their common ground with popular culture. These traces are visible in their use of popular idioms that sometimes become their daily consumption. Some of them have started to take a closer look at local popular culture, such as traditional painting, wayang, etcetera as part of their references. At this stage, their common ground with contemporary issues becomes clearer in revealing the social issues around them.

Rain Rosidi

Translated by Kadek Krishna Adidharma

PAMERAN "LULLABY", 19 JANUARI 2008, V ART GALLERY YOGYAKARTA

My Sweet Lullaby, Bambang Toko

selengkapnya lihat di www.lullaby-art.blogspot.com

PAMERAN FACE 2 FACE

MERENUNG SEJENAK DI TENGAH LANTAI DISCO

Anak-anak muda yang berpameran kali ini hidup dalam dunia kontemporer yang penuh dengan perayaan atas kecanggihan teknologi informasi. Di era dimana distribusi visual yang semakin cepat dengan kemampuannya untuk digandakan dan dimanipulasi dalam sajian yang lebih atraktif dari aslinya. Keadaan itu mirip yang terjadi di lantai disco, dimana musik disajikan dengan menghentak, yang bisa saja hanya hasil ramuan dari berbagai musik yang ada sebelumnya, atau malah hanya hasil copy paste dari music MP3. Para pedansa tidak ambil pusing dari mana lagu itu berasal. Atau bagaimana suara itu dimanipulasi oleh para DJ. Suasana merayakan kecepatan dan kedangkalan dengan kegemilangan lampu-lampu yang hingar bingar. Dalam suasana itu, para perupa ini mengajak untuk merenung sejenak. Berhenti di tengah lantai disco yang hingar bingar, mengajak kita untuk saling tatap dan sejenak berpikir atas sesuatu.
Ada ruang yang cukup luas bagi pengalaman masa muda untuk dituangkan dalam karya seni. Periode masa muda yang penuh dinamika menarik banyak orang untuk dinikmati. Lihat saja bagaimana karya-karya musik populer, novel-novel, film, dan jenis karya lainnya diciptakan oleh anak-anak muda dalam usia keemasan mereka. Dan kisah mengenai anak muda tidak melulu dinikmati oleh anak muda itu sendiri, tapi juga menarik minat para ‘dewasa’ dan kritikus serius.
Pameran ini memamerkan salah satu kelompok perupa muda generasi terkini yang berasal dari Bali. Mereka dilahirkan antara tahun 1980 – 1985. Tentu saja anak-anak muda ini menyimpan problematika dan cara penafsiran yang terefleksikan secara berbeda dengan generasi perupa-perupa sebelumnya. Karya-karya mereka merupakan kombinasi antara bermain-main dan bersikap secara serius. Mereka berangkat dari generasi yang telah belajar banyak dari persinggungan dengan budaya kontemporer, lintas batas, dan pengaruh teknologi. Dalam karyanya tidak lagi muncul resistensi yang berlebihan terhadap penetrasi teknologi dan kedangkalan budaya pop, tapi justru secara berani berada di dalam budaya itu dengan tetap mempertanyakan nilai-nilai yang tersisa. Dari karya-karya anak muda ini, selintas muncul hal-hal yang mempertanyakan nilai-nilai spiritualitas, sekaligus merayakan kehidupan masakini sesuai dengan jiwa muda mereka. Tema Face2Face diambil sebagai gambaran upaya mereka untuk saling mengenali dengan penikmatnya. Berhadapan langsung dan menjadi cara untuk mengetahui lebih jauh keunikan dan kekhasan dari masing-masing pribadi.
Masa muda bukan hanya dipenuhi romantika kisah cinta picisan, tetapi bagi anak-anak muda yang belajar seni secara akademis ini dipenuhi pula oleh jejak kegelisahan pencarian diri mereka. Dalam perguruan tinggi seni semacam ISI Yogyakarta, selain belajar teknis berkarya yang baik, mereka juga dituntut untuk mematangkan konsep berkarya mereka. Dari sinilah, kemudian sebagian mereka mendalami atau setidaknya berusaha mengenali filsafat, ilmu-ilmu sosial politik, psikologi dan lain-lain yang membantu mereka untuk memberikan muatan lebih pada karya seni rupanya. Kebiasaan ini menuntut mereka untuk membuat argumentasi yang baik bagi karyanya. Dalam mata kuliah praktik seni, sesama mereka mengomentari dan mengkritik karya dari teman mahasiswanya. Yang tidak kuat mempertahankan argumentasinya akan berusaha mematangkan gagasannya pada tugas selanjutnya.

Dalam proses menemukan konsep dari karyanya, mereka kemudian menengok diri mereka. Ida Bagus Komang Sindu Putra, mengembangkan persoalan keberadaan dirinya dengan lingkungannya. Pertanyaan akan dirinya di antara lingkungannya disajikan secara ringan menggunakan bahasa visual masakini dengan warna- warna cerah dan pendekatan realistik. Di samping menggunakan citra boneka, dan permainan kesan fotografis, juga menyelipkan simbol bunga dan pesan-pesan filosofis (Beautiful Moment, 2007). Karya ini menurut apa yang ditulisnya sebagai gagasan karya; berawal dari kegelisahannya karena secara psikologis mengalami keadaan hancur, putus asa dan ketiadaaan jawaban atas segala persoalan yang menerpanya. Kekesalan itu uniknya ditimpakan pada hasil cetak fotografi. Lihat dalam karya ini, sebidang kertas berisi potret hasil cetakan fotografis, dilukis kembali secara realistik dalam keadaan kusut sehabis diremas-remas. Apakah hal tersebut secara bawah sadar dilakukannya sebagai seorang yang mempunyai ketrampilan tinggi melukis secara manual yang berada dalam tekanan membanjirnya kemudahan melakukan cetak digital?

Widhi Kertiya Semadi juga menggunakan tanda-tanda masakini, dengan meminjam bentuk-bentuk komponen elektronik yang disajikannya dengan teknik pointilis (Memerah, 2007). Dalam keseharian yang semakin tidak berjarak dengan dunia teknologi, Widhi mengibaratkan tubuh manusia dengan hasil teknologi itu sendiri. Bahwa pertentangan antara yang baru dan lama, teknologi dengan yang natural, manual dengan digital dapat dipersandingkan dengan harmonis dalam gaya melukisnya. Karyanya yang berjudul “Menembak Sesuatu” bahkan secara tegas melukiskan sepotong tangan yang di dalamnya penuh kabel dan komponen elektronik. Walaupun dalam menafsirkan teknologi baru sebatas bentuk visualnya, tetapi karyanya telah mampu merangkum ketegangan itu dengan harmonis. Teknik pointilis menciptakan kesan yang semakin ambigu antara natural dan teknologi tersebut.
Putu Aan Juniartha mencoba melihat alam dengan cara berbeda, yaitu dengan menggunakan citra garis-garis yang memberi kesan teknologis pada abstraksi alamnya. Citra garis-garis vertikal dan horizontal yang membentuk permukaan itu didasarinya pada kekagumannya terhadap bentuk strimin. Keteraturan persilangan garis pada strimin membuat permukaan benda dalam bentuk sebebas apapun dapat terukur dalam konstruksi bidang-bidang kecilnya. Dengan cara ini Putu Aan memberi tafsiran baru terhadap suasana alam (Abstraksi Alam, 2007). Dalam karyanya, Putu seakan-akan berupaya menghadirkan keindahan alam itu dalam cara pandang yang berbeda. Keliaran bentuk alam dijinakkannya dalam konstruksi garis-garis dan bidang-bidang. Garis-garis dan lekukan bidangnya mengingatkan bagaimana program 3D di computer mencoba menganalisa bentuk dan ruang nyata. Dengan cara ini, Putu berada dalam ketegangan, dengan cara pandang yang mekanis terstruktur, berhadapan dengan kekaguman akan keindahan alam yang tidak bisa ditinggalkannya.

Agus Putu Suyadnya menonjolkan permukaan batu dalam lukisannya dan banyak menampilkan unsur parodi. Batu bisa disandingkannya dengan imaji gajah (Awas Ada yang Menunggangi, 2007), tapi juga sekaligus dapat untuk mengungkap kegelisahan spiritualitas dalam karya yang lain (Puncak Meditasi, 2007). Yang perlu dicatat dari karya Agus adalah ketrampilannya dalam menggarap kesan batu dan logam. Dari dua karya yang saya lihat untuk pameran ini, kesan batu muncul dengan sangat kuat dan menjadikan kekuatan karya visualnya. Begitu juga dengan kesan logam, yang mampu mempertunjukkan karakter yang berbeda dengan bentuk lain, misalnya awan. Di samping itu, kecenderungan Agus untuk berseloroh dalam karyanya juga menunjukkan jiwa mudanya yang dinamis. Karyanya menunjukkan posisinya antara kehendak untuk berseloroh dengan tema-tema parodi, sekaligus kehendak untuk melakukan perenungan terhadap segala sesuatu. Simbol batu menunjukkan pada hal-hal yang keras, diam, perenungan dan serius. Apalagi ketika digarap dengan penuh kesungguhan dengan kesan realistik dan kesan tiga dimensional yang kuat. Tetapi kemunculan citra gajah yang berwarna hijau dan dengan bentuk lucunya seolah berusaha untuk mengurangi tensi ketegangannya terhadap suatu persoalan.

I Nyoman A Wijaya banyak bermain-main dengan bentuk anjing dalam karya patungnya. Penyederhanaan bentuk anjing ini terasa kebaruannya dengan pola penyederhanaannya yang sama dengan bentuk-bentuk pada animasi 3 dimensi. Dia menggunakan plat besi yang ada pada chasing PC, sehingga mempunyai keterbatasan pada detail bentuk anjingnya. Tapi dari keterbatasan tersebut, justru muncul kesan penyederhanaan yang unik dan segar. Judul-judul karyanya pun mampu membawa kita pada persoalan-persoalan yang lebih luas, di luar aktivitas anjing itu sendiri. Misalnya “Pengabdian”, “Lelah Menunggu”, dan “Merasa Terganggu”.
Perupa muda yang lain, yaitu Ida Wayan Wisnu Werdana menggunakan medium fotografi dan video untuk mengekspresikan karyanya. Karya-karyanya menampilkan gaya hidup masakini berikut citra-citra yang mengikutinya.
Keenam perupa muda ini mengajak kita untuk memasuki dunia muda mereka. Dunia di sekitar mereka, menyangkut aktivitas keseharian mereka, dengan pengaruh dan beragam penetrasi dari bermacam budaya dan perkembangan teknologi. Di sisi lain, ajakan untuk melihat dunia mereka juga mengandung komentar atau pernyataan mereka terhadap hal-hal yang menarik perhatian mereka, menyangkut peristiwa politik, kesadaran sosial, lingkungan alam, dan budaya.
Keenam anak muda ini mewakili generasi muda yang berada dalam ketegangan antara tradisi, spiritualitas, kesadaran sejarah yang penuh kedalaman, berhadapan dengan gaya hidup masakini, yang merayakan kedangkalan, budaya pop, dan teknologi. Mereka adalah seniman-seniman baru yang berasal dari kampung halaman dengan tradisi budaya yang kuat, dan belajar di Yogyakarta serta mendapat pengaruh dari pergumulannya dengan aneka tradisi budaya lain. Inilah hasil karya mereka, yang tentunya merefleksikan sebagian pergumulan itu dari dalam dunia pemikiran dan penghayatan mereka.

Rain Rosidi.
Tulisan ini untuk pameran kelompok PILAR di Danesh Art Verandah, Bali, Januari 2008.
Komentar mengenai tulisan ini bisa anda layangkan ke www.bulletproofcurator.blogspot.com

‘KETAKTERDEWASAKAN’ BOB SICK

If I knew exactly what I wanted to say, then I wouldn’t write the song.
Thom York

Sebagai narsis sejati, jelas aku mencintai pasanganku, bangsaku, rakyatku, sahabatku dan jalan kesenian yang aku pilih.
Puisi Bob Sick 2007

“Aku memang bisa apa saja, kecuali membina keluarga sakinah”
SMS Bob Sick kepada penulis


Pada 26 Mei 1971, lahir seorang anak laki-laki yang dinamai Bob Yudhita Agung. Tidak dinyana, beberapa puluh tahun kemudian, nama itu lebih dikenal dengan sebutan Bob Sick. Nama yang menggambarkan konsepsinya berkarya, tentang rasa sakit yang semakin membuatnya merasakan keberadaannya sebagai manusia.
Semenjak perkembangan peradaban, seni difungsikan sebagai propagator sekaligus sebagai kritik terhadap masyarakat dan kebudayaan. Frankfurt School cenderung mengulik hubungan tersebut. Madzhab ini secara konsisten menolak untuk “memperlakukan budaya sebagai sebuah kenyataan yang lepas dari masyarakat”. Kemudian mereka mencoba menginterpretasikan seni sabagai salah satu bahasa kode yang berproses mengambil tempat di masyarakat dengan diuraikan melalui analisa kritis. Seni merefleksikan kondisi masyarakat saat ini dan eksis dan seringkali menemukan persoalannya. Menjadi kepercayaan yang dominan pada Madzhab Frankfurt bahwa seni “bertindak sebagai upaya terakhir teriakan manusia terhadap masyarakat lain melampaui yang sudah ada”. “Seni adalah respon terhadap represi” dan, oleh sebab itu, seni yang “sesungguhnya” hanya dapat diproduksi dalam masyarakat yang terepresi. Dan elemen dari masyarakat umum, harapan yang dibagi untuk kemanusiaan yang potensial, diinformasikan oleh setiap aksi estetik. Max Horkheimer menulis bahwa “seni, semenjak otonom (dari gereja), telah menyediakan utopia yang diuapkan dari agama”. Kepercayaan ini bahwa fungsi penting dari seni adalah untuk menunjukkan pada yang lain, lebih ideal, masyarakat “yang mungkin juga membawa pada kesimpulan bahwa seni hanya dapat muncul pada konteks ketidakbebasan”.
Theodore Adorno salah satu teoretisi pentolan madzhab ini, berkhusuk pada gagasan otonomi artistik. Pencerahan dialektis Adorno adalah bertumpu pada pergerakan antara yang universal dan yang partikular. Ketika diaplikasikan pada teori seni maka dialektika ini termanifestasikan pada satu sisi sebagai Law of Genre (menghadirkan keuniversalitasan – ikatan kolektif) dan di sisi lain adalah spontanitas. Spontanitas menunjukkan partikularitas dan keterlepasan teoretik dalam dunia kemungkinan dan permainan manusia.
Dalam seni rupa, semangat bermain-main menjadi semacam pintu masuk yang lebar bagi tumbuhnya ‘yang partikular’ dalam seni. Raw art, salah satu manifestasi kecenderungan dalam seni yang kemudian memberi pengamatan berbeda terhadap karya-karya yang berada di luar pengamatan umum. Seniman Perancis Jean Dubuffet adalah salah satu seniman yang pertama kali mencetuskannya sebagai Art Brut. Baginya itu adalah bentuk termurni dari kreasi. Merunut Dubuffet; mungkin seniman seringkali tergagap untuk menyatakan apakah yang dibuatnya, tapi karya itu sendiri secara konstan telah bercerita. Pemberian tempat pada karya-karya yang muncul dari kegilaan, para visioner artist, atau dari para ‘outsider’ yang berada di garis terluar masyarakat atau sistem. Raw Art juga yang sering diartikan sebagai seni ‘yang tidak dimasak’, seni yang ‘tak terdewasakan’ oleh budaya.
Dalam konteks ‘tak terdewasakan’ secara budaya inilah kita bisa melihat seorang Bob Yudita Agung a.k.a Bob Sick berkiprah di jalur seni lukis. Seorang pelukis yang dikenal oleh semua masyarakat seni di Indonesia dengan penampilannya yang unik, dari rambut sampai ujung kaki. Penggila tatto dengan tubuh yang dipenuhi tatto koleksinya, hasil karya seniman tatto dari sekujur pulau Jawa dan Bali. ‘Tak terdewasakan secara budaya’ terlihat dari seluruh apa yang dilakukan dalam setiap aksi estetiknya. Lukisannya berlandaskan semangat bermain yang kental, dengan spontanitas gagasan yang cukup tinggi.
Bob bukan orang yang sebenarnya tak terpelajar dalam seni. Bukan pula sebenar ‘outsider artist’ yang bersembunyi atau terpencil dari jagad gemuruh seni rupa arus utama. Semenjak kecil, anak emas ini sudah terbiasa dengan dunia gambar menggambar, berikut seluruh dimensi artistiknya. Beberapa kali di masalalunya dia memenangi lomba lukis anak, yang menunjukkan seberapa jauh dunia artistiknya diterima oleh pengamatan umum. Bahkan di masa kuliahnya, dia juga memperoleh penghargaan yang cukup bergengsi dalam karya seni lukis terbaik. Dalam wawancara dengan saya, Bob menyatakan bahwa apa yang dilakukannya adalah 70% sisi anak-anak, naluri bermainnya, baru selebihnya adalah pretensinya untuk berlaku bijak selayaknya orang dewasa. Bob lebih memilih untuk menciptakan karya-karya yang murni mengikuti naluri bermainnya. Salah satu teman karibnya sesama pelukis S. Teddy D. mengagumi ketakterputusan garis yang ditorehkannya dalam kanvas. Sebuah kepercayaan diri yang akut terhadap naluri bermain.
Raw Art menjadi salah satu aliran yang mempengaruhinya. Bob mengaku tertarik dengan raw art sebagai sebuah ‘counter attack’ terhadap keunggulan teknis serta keindahan dalam lukisan yang disepakati umum. Dengan berkarya yang seenaknya dia yakin akan bisa menolong teman-teman yang berkarya di luar kebiasaan karya seni yang terdidik dan terlembagakan. Bob tidak bisa dilepaskan dari lingkungannya dengan pergaulan sosial bersama anak-anak muda yang berkreasi, berbuat salah, nakal, dan mencoba segala hal. Di sekelilingnya Bob bermain musik dengan anak-anak muda, menjadi manajer band, menyelenggarakan even musik underground dan memberi semangat kepada anak-anak muda itu untuk menjadi diri sendiri. Baginya tidak ada karya seni yang jelek.
Dalam konteks sosial dimana industri karya seni mendominasi, Bob Yudhita Agung menyajikan sebuah budaya dan kesadaran sosial yang tak terduga. Dia memproduksi karya seni yang unik dalam dunia modern, baik dalam sisi teknis maupun filosofinya. Selain lukisan-lukisan dengan semangat bermain yang tinggi, Bob juga menggunakan media non ‘seni’ untuk lebih melibatkan isu-isu sosial, sebagai bagian dari budaya pinggiran. Diproduksinya benda-benda non seni seperti gitar, bas, objek, instalasi, dan karya patung sebagai sarana bermain-main yang melibatkan komunitas penggunanya.
Karya seni Bob adalah misal yang bagus untuk karya seni sebagai wujud yang paling pribadi dari manusia. Dunia ‘tak terdewasakannya’ menunjukkan keberadaannya yang amat partikular dengan spontanitas yang tinggi. Intuisi, pengalaman untuk sakit, bermain-main dengan tubuh, adalah bagian yang paling pribadi dari diri Bob; rasa dalam arti fisik maupun psikis. Projek pribadi atas dirinya muncul pula dalam dataran kanvas lukisan yang tak jauh-jauh merupakan catatan pengalaman psikologisnya. Untuk itu perlu memberikan perhatian lebih pada tata cara Bob dalam melukis.
Bob kerapkali disandingkan dengan dua nama pelukis Indonesia lain yang sekaligus teman dekatnya, yaitu Ugo Untoro dan S. Teddy D. Mereka dianggap mempunyai kesamaan dalam gaya hidup berkesenian dan konsep seni secara umum. Tetapi berbeda dengan Teddy pun Ugo, yang menggunakan gramatika visual seefektif mungkin untuk menampilkan sisi puitik (perhatikan lukisan Ugo atau Teddy, yang kebanyakan menampilkan ruang yang kosong dengan goresan efektif namun penuh emosi), Bob Sick lebih berkecenderungan untuk menampilkan sisi bermainnya yang kental, dengan garis-garis tegas, meliuk-liuk, dan kadang memenuhi bidang kanvas. Garis pada Bob mempunyai porsi yang sangat penting. Kebanyakan karyanya menggunakan outline warna gelap yang tegas. Garis lengkung-lengkung tak putus-putus mirip sulur-sulur tetumbuhan. Sapuan kuas besar yang menyisakan lelehan cat basah, bagai sapuan jagoan graffiti di lorong-lorong jalanan. Terkadang lukisannya amat ramai, tak ada sisa ruang kosong, semua diisi penuh dengan ornamen-ornamen yang tak tentu rimba asalnya. Tetapi pada lukisan lain, terkadang juga dibiarkan sunyi.
Beberapa lukisan diberi teks yang juga digoreskan dengan cara mengindah-indahkan teks mirip para ahli kaligrafi. Bob seringkali menuliskan statemennya dalam lukisan, baik pusi, komentar singkat, teks nama, judul dan tanggal lahirnya. Bob menggunakan kata-kata secara lepas, tanpa beban gamatika umum, dari bahasa Indonesia, Inggris, atau pun bahasa-bahasa lainnya.
Tema-tema lukisannya berkisar dari reaksi yang muncul dari dunia psikologisnya. Mulai dari tema tentang malaikat dan setan, tuhan, sakit hati, teman-temannya dan berbagai hal yang bisa dipikirkannya. Mirip dengan kata-kata yang diguyurkannya dalam kanvas, sosok-sosok manusia, makhluk aneh, objek-objek dan tumbuh-tumbuhan dalam kanvasnya seolah-olah didatangkannya begitu saja, digabung-gabungkan dengan tanpa mengikuti logika umum.
Sebuah lukisannya berjudul Statement (80 x 90 cm, 2007) menunjukkan figur manusia dengan bentuk yang janggal, dengan lidah panjang melengkung-lengkung seperti api, rambut mirip sulur, dan badan penuh dengan ornamen. Dengan menggunakan warna yang nyaris tanpa harmoni, dari warna garis yang hitam, warna merah sebagai latar, dan warna kulit yang tua kecoklatan dan beberapa garis dengan warna biru. Di samping sosok figur yang mencerminkan diri Bob tersebut tergeletak seekor ikan. Dalam lukisan ini Bob mencantumkan statemen yang berbunyi:
bob sick central
my name are
komunist
eksistensialis
muhamadent
punker
and
tatto
oism
born 26. 05. 1971
Lukisan ini menggambarkan spirit bermain-main yang tetap ada dalam mempersoalkan hal-hal yang amat serius. Kondisi bermain-main itu nampak dari penggunaan istilah yang serampangan dipakai. Ketidaktepatan penulisan kata dan komparasi yang sekenanya. Hal tersebutlah yang semakin menampakkan diri Bob sebagai seniman yang memuja peronalitas. Segala hal adalah sejauh yang dipahaminya, tidak ada kerumitan dibalik hidup yang paling kompleks sekalipun. Bahkan dalam lukisan lain, persoalan yang niscaya, semacam kematian disikapi dengan celotehan ringan: “kalah pada kehidupan, tidur panjang dalam damai abadi” (lukisan Reliji, 69 x 90 cm, 1993). Atau dalam kata-kata seperti:
setelah engkau pergi
sedih hatiku
bagaimanapun hi-
dup ini harus
di tuntaskan
sampai
nafas
terak-
hir
2007
Bob Sick Yudhita (lukisan ‘Setelah Kau Pergi’, 51 x 51 cm, 2007)

Lihatlah, dalam kepergian, perasaan sedih, bisa ‘dilagukan’ dengan begitu ringan. Hal yang sama, dilakoninya ketika dia juga secara langsung mengalami kecelakaan yang membuatnya koma sekian lama. Seolah-olah tragedi tubuh, adalah semacam permainan pula, seperti seluruh konsepsi keseniannya. Rasa sakit tubuh yang ditatto, nyeri yang konstan setelah kecelakaan, atau perasaan hancur secara psikologis adalah menu bermain yang akan muncul dalam karya-karya yang riang dan penuh dengan garis-garis tegas. Rasa sakit baginya adalah berkah, bahkan ketika dia harus menkonsumsi obat ‘paint killer’ yang justru dianggapnya sebagai jalan legal untuk menikmati obat.
Dalam konteks pameran ini, Bob menghadirkan seninya sebagai ekspresi budaya yang lain. Bukan persoalan besar, seperti politik atau sebangsanya, tetapi pameran ini diinspirasi oleh kepergian sahabatnya, mentornya, dan penyemangatnya dalam berkarya, Omi Intan Naomi. Omi, seorang penulis muda yang terlalu cepat pergi, memberi kontribusi yang cukup besar dalam jalan kesenian Bob Sick. Dalam pengkuannya via sms: “Omi adalah tempat saya bertanya dan berpendapat. Dia mengenalkan saya dengan buku-buku, internet dan banyak hal... dari semula saya tidak mengerti menjadi mengerti” (5 Februari 2007, pukul 18.58). Sebagai bentuk penghormatannya pada Omi, diabadikannya dalam bentuk tatto di tubuhnya. Sebuah cara personal Bob untuk menghargai kawan sekaligus gurunya itu.
(Rain Rosidi)

ANTARA EKSSKUL DAN ELEPHANT

MEMPERTIMBANGKAN CITRA PIALA CITRA:

ANTARA EKSSKUL DAN ELEPHANT

"I've never saw such a vile and beautiful day"
Alex, beberapa saat sebelum melakukan pembantaian di film “ELEPHANT”

Dunia perfilman kita dikejutkan oleh kemenangan film besutan Nayato Fio Nuala di ajang FFI 2006. Film Eksskul meraih penghargaan sebagai film terbaik FFI 2006. kemenangan Eksskul ini langsung menuai badai protes dan mosi tidak percaya terhadap penjurian FFI 2006. Barangkali dalam sejarah FFI dan pemberian penghargaan sejenis lainnya di Indonesia, tidak ada yang dipertanyakan segencar ini. Mengapa publik film sedemikian tidak percayanya dengan kemenangan Eksskul?

Iseng-iseng saya akan memperbandingkannya dengan film bertema sejenis yang membawa sutradaranya meraih penghargaan di Cannes Festival 2003. Film itu adalah “ELEPHANT”, garapan sutradara Gus Van Sant. Kalau bisa dibilang, film tersebut keren abiss. Mengambil setting beberapa jam sebelum terjadinya pembantaian siswa di Colombine, Amerika. Dibanding film sejenis yang mengangkat tema tragedi di sekolahan, “Elephant” mampu menampilkan beberapa kelebihan. Pertama film ini menggunakan cara pengambilan gambar yang unik. Diambil dengan menggunakan sudut pandang beberapa siswa. Masing-masing adegan menggunakan long shot yang menampilkan adegan biasa di sekolah. Ada anak berdiskusi, olah raga, di perpustakaan, kantin, pacaran, dan lain-lain. Pokoknya ordinary live banget lah!

Masing-masing adegan tidak berhubungan secara langsung, hanya tersambung oleh muara adegan yang berakhir di peristiwa masacre itu. Unik dan mengejutkan.

Belum lagi film itu teramat minim menggunakan musik. Tapi ketegangan memuncak juga manakala, Alex dan seorang kawannya tiba-tiba datang ke sekolah dan membantai semua-teman-temannya. Satu lagi yang perlu dicatat, Van Sant tidak mempertontonkan secara langsung adegan kekerasan. Adegan penembakan hanya diperlihatkan dengan bunyi selongsong yang jatuh, atau adegan siswa yang lari tunggang langgang menghindari pembantai.

Dalam eksskul, realita konkrit itu malahan dibungkus dengan penciptaan suasana yang seakan-akan di manaaa... gitu (bukan di Indonesia, kayaknya). Malahan membuat kita tidak menyadari bahwa itu berdasar kisah nyata. Misalnya dalam hal penyambungan gambar. Setiap pergantian adegan disambung dengan semacam kilasan cahaya mirip kebanyakan film-film horor kita. Dibikin menegangkan lah gitu.

Dalam film Eksskul semua dialog pemainnya berteriak, sama dengan adegan-adegan sinetron kita. Mungkin dikiranya dengan berteriak-teriak adegan jadi menegangkan dan tambah seru. Khan penonton jadi capek, mass.. Sedangkan di film Elephant, tidak ada adegan berteriak, malahan mirip adegan dokuementer yang dibikin anak-anak sekolah biasa, tapi justru bisa bikin saya setelah menontonnya kepikiran terus. Tapi habis nonton eksskul, perasaan itu sama sekaili tidak ada, paling-paling hanya kepikir, wah itu khan cuman film.

Secara outfit, sosok Joshua yang digambarkan sebagai sosok korban yang dipecundangkan di sekolahnya disederhanakan dengan jamper yang tudungnya selalu terpasang di kepalanya. Disitu dua orang yang selalu beroutfit seperti itu, yaitu Joshua, si pelaku penyandera dan anaknya Kepala Polisi, yang mengaku merasa dipecundangkan juga di sekolahnya.

Salah satu dewan juri FFI mengatakan, kalau istimewanya Eksskul adalah karena mengungkap kesalahan orang tua dalam persoalan tragedi di sekolah. Saya malah tidak melihat ada orang tua yang salah dalam film itu. Justru yang ada adalah sebuah peristiwa tragis yang tidak ada dasarnya sama sekali.

Satu kejanggalan yang amat mengganggu dalam film itu adalah bagaimana mungkin ratusan polisi dengan senjata dan helikopter tidak mampu menyelesaikan penyanderaan satu siswa, yang saya perhatikan sama sekali tidak mengeluarkan ancaman? Ada dua lubang untuk mengakses penyanderaan itu, yaitu jendela dan lorong pintu menuju ruang BP. Tapi kenapa tidak satu pun dicoba untuk diterobos? Yang ada hanya eklpoitasi kefrustasian kepala Polisi yang tidak tahu harus melakukan apa, dan kesibukan orang-orang di halaman sekolah yang tidak jelas melakukan apa. Mereka hanya menatap jendela tertutup dan berteriak-teriak, saling menyalahkan, serta dialog-dialog mengambang yang berusaha membuat film tidak verbal.

Kesimpulan saya, dilihat dari berbagai kriteria, “Eksskul” itu hanya film kelas tiga bahkan untuk ukuran standar film Indonesia (sorry buat masyarakat film Indonesia). Mungkin bisa bagus kalau buat vidio klip musik, karena ‘over’ pamer teknik editing dan pencahayaan yang ‘over’ dramatis. Bahkan kualitasnya untuk orang awam seperti saya, jauh di bawah unggulan-unggulan lainnya, seperti Denias: Senandung di Atas Awan, Heart, Mendadak Dangdut maupun Ruang.

Wajarlah kalau masyarakat film kita protes keras. Di tengah tidak krediblenya lembaga-lembaga pemerintah maupun swasta kita, kenapa lembaga budaya kita ikut-ikutan tidak meyakinkan. Satu kesalahan besar ini, tentu saja berimbas pada penghargaan-penghargaan lain yang sebenarnya cukup menjanjikan, seperti film dokumenter “Gerimis, Kenangan dari Sahabat Terlupakan”. Film ini secara puitis mampu mengingatkan kita betapa hubungan kita dahulu dengan Negara Soviet (Rusia) cukup dekat. Dan bagaimana beberapa orang di sana tetap menyimpan perasaan bersaudara itu dalam lubuk hatinya, sementara kita memutuskan tali silaturahmi dan melupakannya sama sekali.

Dan citra piala citra sungguh telah jatuh, bahkan ke dasar samudra, berdampingan dengan bangkai pesawat Adam Air…

Rain

stop

Stop sending letters

Letters only get burned

It’s not like the movies

They fed us on little white lies

Radiohead

Pop music often tells you everything is OK, while rock music tells you that it's not OK, but you can change it. There's a defiance in rock music that gives you a reason to get out of bed in the morning. Most pop music doesn't make you want to get out of bed, I'm sorry to say. It puts you to sleep

Bono,

Lead singer of U2